Cornélius

Jack et Patience filent le parfait amour et, malgré quelques problèmes d’argent, ils forment un couple harmonieux et comblé par l’arrivée futur de leur premier enfant. Un jour, ce bonheur vole en éclats. Jack rentre du travail et découvre qu’un étranger lui a arraché son fragile équilibre familial. Pour empêcher l’irréparable, Jack fera tout ce qui est en son pouvoir, quitte à courber l’espace et le temps. Daniel Clowes signe ici l’une des œuvres les plus abouties et des plus accessibles de sa carrière. Avec subtilité, il joue avec les codes de la science-fiction pour mieux exprimer les sentiments complexes de ses protagonistes. Fluide et addictive, la lecture de Patience transporte le lecteur dans un tourbillon d’émotions jusqu’au dénouement final. Avec une virtuosité incomparable, l’auteur utilise la fiction et les voyages temporels pour mieux aborder des problématiques multiples : la construction de l’identité, la part du secret dans le couple, le deuil, la vengeance et bien sûr, l’amour.

Sorte de Retour vers le futur pour adulte, Patience mélange rêves d’enfance et questionnement matures dans un enchevêtrement de rebondissements et une intrigue à couper le souffle.

Avec Mauvaises filles, Ancco revient sur sa propre histoire et nous plonge dans le quotidien sombre et brutal de l'adolescence coréenne des années 90. La Corée du Sud est alors en pleine crise économique et contracte un emprunt auprès du FMI, le climat est morose et la vie difficile pour les dirigeants de petites entreprises. À la maison, à l'école ou dans la rue les jeunes filles se font frapper à la moindre bêtise. Une réalité où la violence devient systématique, ordinaire. Heureusement l'amitié n'est jamais loin pour adoucir les peines. Mais cet échappatoire se révèle dangereux lorsque la fuite du cercle familial plonge brusquement les mineurs dans le monde des adultes. Acclamé lors de sa sortie en Corée, l'album reçoit en 2012 le prix coréen de « BD d’Aujourd’hui ».

Scénariste de renom (on lui doit entre autres Le Transperceneige avec Rochette et Délirius avec Druillet), Jacques Lob a pris la plume à dessin dans les années 1970 pour raconter des histoires, entre parodie des classiques US des années 1930 et mise en scène d'une fantasmatique plus personnelle. Cette réédition soignée rend justice à un auteur qui pratiqua en précurseur une autofiction pleine d'ironie.

Ce premier volume de l’anthologie que Cornélius va consacrer aux nouvelles de Yoshihiro Tatsumi présente vingt-trois histoires écrites et dessinées au cours des décennies 1960-1970. Fidèle à sa volonté de montrer la réalité du quotidien, si dure soit-elle, selon les principes du gekiga (dessins dramatiques) qu’il développe à la fin des années 1950, Tatsumi décrit dans ses histoires courtes toute une galerie de petites gens : travailleurs en usine, éboueurs, prostituées, mendiants ou paumés en tout genre, dans un monde en crise encore marqué par les stigmates de la guerre et le fascisme.

Fidèle à son maître Honoré de Balzac, Tatsumi décortique impitoyablement ses semblables, dépeignant les passions et les illusions qui font battre les coeurs humains. Ses personnages, auxquels il prête souvent ses propres traits, se heurtent aux murs de leur propre existence, attendant d’être broyé par une société qui a perdu toute forme de mansuétude et n’offre plus aucun salut.

Les plus assidus l’attendaient, les plus curieux en rêvaient et les plus éloignés de l’ordre de la librairie l’ignoraient, enfin, le génie Hugues Micol donne une suite et fin à son triptyque psychédélique initié il y a presque 15 ans avec 3. Tumultes remuera vos entrailles et réveillera votre imagination, secouant par la même occasion le bassin de la bande dessinée d’eau douce! Vous retrouverez l’opérateur Sabre dans les abysses de l’histoire, au commencement, avant le plongeon final qu’offrait Séquelles. Dans cette dernière immersion, les courants qu’avaient empruntés sandres, silures et autres poissons-chats s'entremêlent pour se rejoindre dans un océan de clairvoyance. Entre magie noire, mythologie et nouvelles technologies, toutes les routes ouvertes par l’auteur se rejoignent pour lever les mystères qui planaient autour de ces aventures houleuses.

Monsieur Barthélemy ne meurt jamais. A chaque fois, il revient à la vie sous la forme d'un petit garçon. L'enfant a vu construire les pyramides, combattu le roi Arthur et voyagé avec Hemingway. Avec Baptiste, son fidèle domestique, il se lance dans une quête ultime : mourir pour de vrai. Un conte fantastique qui joue avec les ellipses, les ruptures de ton et qui aborde le thème de la désespérance.

Après Toxic et La Ruche, Charles Burns signe avec Calaveras la fin de sa trilogie chez Cornélius ... Quelques années après l'épisode de La Ruche, nous retrouvons Doug, jeune adulte grassouillet et un peu perdu dans la vie. Poursuivi par des fantômes et des regrets, il continue de dérouler jusqu'au bout le fil de sa vie passée et décide de retrouver son amour d'adolescent: Sarah ... Calaveros boude avec maestria toutes les intrigues déroulées au fil des précédents tomes. De quoi s'alimentent réellement les peurs de Doug? Qu'a-t-il cherché à fuir? Comment son alter ego "tintinesque" se sortira-t-il de cet étrange pays peuplé de lézards au service de la Ruche? Explorant dans ce tryptique sa fascination pour Hergé et William Burroughs, Charles Burns, pour sa première bande dessinée en couleurs, réussit un objet obscur et limpide à la fois, perdant le lecteur dans les méandres d'un univers instable et fascinant éclairé par la rigueur graphique qu'on avait pu apprécier dans Black Hole, et sublimé par un découpage et un art de la mise en abyme à leur paroxysme.

L'enfance de Charles Burns se déroule, dans les années 60, sous l'influence du magazine satirique Mad, des films de monstres de Roger Corman et des séries à suspense que commence alors à proposer la télévision. On retrouvera ces sources d'inspiration dans ses bandes dessinées, remaniées pour créer un style étrange et immédiatement identifiable. Il découvre Robert Crumb au milieu des années 70 et se lie d'amitié avec Matt Groening pendant le lycée. C'est en 1981, au hasard d'une séance de zapping, qu'il découvre à la télé un catcheur mexicain dont il s'inspire aussitôt pour créer son héros le plus fameux, le patibulaire et sympathique El Borbah. Ses premières histoires sont publiées dans Heovy Metal, mais le personnage intervient rapidement dans Row, la mythique revue d'avant-garde dirigée par Art Spiegelman et Françoise Mouly. Charles Burns partage alors son temps entre illustration et bande dessinée, se faisant avec les livres Big Baby et Fleur de Peau (tous les deux chez Cornélius) le chroniqueur d'une Amérique plus proche des Enfers que du Purgatoire. À partir de 1994, il se consacre à Black Hole (Delcourt), feuilleton brutal et poisseux qui deviendra dix ans plus tard son chef-d'oeuvre et lui apportera une reconnaissance internationale.

Sur le pont d'un baleinier, l'équipage scrute l'horizon, plongé dans une attente mortifère. Malgré des semaines en mer et la certitude de tenir le bon cap, les proies ne se montrent toujours pas. Désespéré, le capitaine est sur le point d'abandonner cette désastreuse campagne de chasse, quand la découverte au pas de sa porte d'une dent de cachalot gravée coïncide avec l'apparition d'un banc de baleine. La chasse commence et la chance semble tourner. Les baleines sont là tous les matins, les cales se remplissent de graisse et régulièrement le capitaine trouve une nouvelle dent, ornée de créatures marines fantastiques. Au cours de ces chasses, un harponneur au visage impassible s'illustre. D'une adresse remarquable, il gagne la confiance du capitaine et de ses seconds ainsi que le respect de l'équipage. Mais son attitude placide face aux événements va bientôt déstabiliser le fragile équilibre qui règne à bord. La hiérarchie est mise à mal lorsque les marins passent de l'admiration à la vénération pour le harponneur : c'est lui qui grave les dents de cachalots. Aveuglé par l'appât du gain et la volonté de rentrer au port les cales pleines, le capitaine s'apercevra trop tard du changement qui s'opère au coeur de son équipage. Les funestes présages qui apparaissent sur chaque nouvelle dent, chaque fois plus terribles, se confondront bientôt avec la réalité.

Le succès sans commune mesure de la bande dessinée au Japon, son ancrage dans la société, sa forme unique et ses thèmes de prédilection, s'expliquent une fois placés en regard de l'Ere Showa (1926-1989). Les biographies des pionniers du manga, de Vie de Mizuki de Shigeru Mizuki à Une vie dans les marges de Yoshihiro Tatsumi, témoignent autant de l'explosion d'un art populaire que de cette période parmi les plus complexes de l'histoire du Japon. La Vie de Mizuki rappelle qu'en un peu plus d'un siècle, cet archipel presque exclusivement constitué de villages de pêcheurs s'est mué en l'une des plus grandes puissances industrielles mondiales. Entre-temps, un élan de modernité et de nationalisme a emporté ses hommes vers la guerre, avant de rapatrier les survivants sur une terre occupée, en perte d'identité, en marche d'industrialisation forcée, démunie de son armée et de son besoin de produire de l'énergie. Cette société qui n'aurait plus besoin de se défendre ni de se nourrir allait accoucher d'une forme d'expression naturellement enfantine, mais d'une richesse indéniable : le manga. Shigeru Mizuki, cet artiste qui a ressuscité le goût du folklore au Japon, incarne plus que quiconque cette édifiante réaction artistique face au poids de l'Histoire: celle d'un homme qui a perdu un bras au combat et rentre dans son pays pour donner vie à un courageux fantôme à qui l'on a volé un oil. Récit d'un destin hors du commun, témoignage unique sur la mutation d'un monde, Vie de Mizuki est une extraordinaire fresque romanesque qui embrasse un siècle de chaos et d'inventions.

Un homme avait trois fils : le premier, Bird, avait les yeux noirs d’un oiseau, le second, Twombly, deux longues lances de bois en lieu de bras et le troisième, Horn, dissimulait sous sa capuche rouge un visage recouvert de poils.

À la manière du Petit Poucet de Perrault ou de Hansel et Gretel des frères Grimm, le récit s’ouvre sur un abandon. Mais sur cette île déserte, c’est un homme âgé à la barbe blanche qui est abandonné, les mains menottées à une lourde pierre plongée dans la mer.

Étrange abandon qui fait écho à celui, bien des années auparavant, des trois garçons condamnés à survivre de menus larcins dans un camp de réfugiés, attendant le retour du père, exilé, parti chercher du travail. Le jour, les jeunes malfrats pillent les réserves des plus riches, le soir, ils redeviennent des enfants pleurant sur leur mère restée au pays et sur leur père qui les a abandonnés.


Un sentiment de malaise captivant naît de cette trilogie vertigineuse et puissamment originale, entièrement réalisée à la gouache, où l’on retrouve Ludovic Debeurme au sommet de son art.

La nature n’existe pas. Tel est le slogan de Roseville. Ce paradis rose et parfumé, d’où sont bannis les aliments naturels, vit en autarcie sous la férule de Rosemou, patron et patriote, inventeur de la pâte à mâcher multi-usages.

La ville est assiégée par les Hygiénistes, une menace qui permet d’entretenir le délire obsidional de ses habitants. Comme toujours, l’ennemi de l’extérieur sert de prétexte pour mater celui de l’intérieur.

 La révolte viendra de l’enfant chéri du régime. Roger, inventeur du Patamach de joie, euphorisant, calorifique et reconstituant, découvre les effets secondaires de la pâte à mâcher, pourrissement des dents et taches roses sur la peau, et l’ignoble secret de sa fabrication.

Tandis que les sucettes vertes remplacent les bonbons roses, le peuple acclame son nouveau maître. Mais si le pouvoir change de couleur, la corruption et l’arbitraire demeurent.

Conte satirique dans la lignée de Jonathan Swift, George Orwell et Eugène Ionesco, la fable de Capron et Killoffer instruit en amusant. Joyeusement iconoclaste, elle passe à la moulinette la folie du pouvoir, l’irresponsabilité des scientifiques,  la manipulation des masses et l’aliénation de l’individu.

L’histoire galope de péripétie en rebondissement, dans la grande tradition du roman-feuilleton. Les auteurs brassent les genres et les références, tandis que, symbole incongru de la contagion du conformisme et de la soumission à l’autorité, le rose contamine le noir et blanc et envahit peu à peu l’image.

L'édition présentée ici a été revue et modifiée par les auteurs, et profite d'une mise en couleurs en trichromie totalement inédite, qui permettra de redécouvrir ce Viva Patamach à sa juste valeur.

Le succès sans commune mesure de la bande dessinée au Japon, son ancrage dans la société, sa forme unique et ses thèmes de prédilection, s'expliquent une fois placés en regard de l'Ere Showa (1926-1989). Les biographies des pionniers du manga, de Vie de Mizuki de Shigeru Mizuki à Une vie dans les marges de Yoshihiro Tatsumi, témoignent autant de l'explosion d'un art populaire que de cette période parmi les plus complexes de l'histoire du Japon. La Vie de Mizuki rappelle qu'en un peu plus d'un siècle, cet archipel presque exclusivement constitué de villages de pêcheurs s'est mué en l'une des plus grandes puissances industrielles mondiales. Entre-temps, un élan de modernité et de nationalisme a emporté ses hommes vers la guerre, avant de rapatrier les survivants sur une terre occupée, en perte d'identité, en marche d'industrialisation forcée, démunie de son armée et de son besoin de produire de l'énergie. Cette société qui n'aurait plus besoin de se défendre ni de se nourrir allait accoucher d'une forme d'expression naturellement enfantine, mais d'une richesse indéniable : le manga. Shigeru Mizuki, cet artiste qui a ressuscité le goût du folklore au Japon, incarne plus que quiconque cette édifiante réaction artistique face au poids de l'Histoire: celle d'un homme qui a perdu un bras au combat et rentre dans son pays pour donner vie à un courageux fantôme à qui l'on a volé un oil. Récit d'un destin hors du commun, témoignage unique sur la mutation d'un monde, Vie de Mizuki est une extraordinaire fresque romanesque qui embrasse un siècle de chaos et d'inventions.

Dans cette véritable odyssée moderne, Huchette évoque avec poésie et humour la crise existentielle provoquée par la paternité. C'est d'abord une plongée dans le quotidien de Joseph, réalisateur d'un talk-show animalier récemment débarqué à Brooklyn. Rythmée par son émission, sa vie se dévoile par petites touches, à travers ses déambulations dans la ville, ses journées de travail au café Madeline, et les moments de bonheur avec son fils. Puis, peu à peu, surgissent les angoisses qui le traversent et qu'il ne sait comment surmonter. Les difficultés financières liées à sa vie d'artiste, la peur de vivre une vie déjà toute tracée. C'est alors que tout bascule. Joseph se retrouve entraîné dans un univers hors du temps, où tout est possible. Les sirènes de Governor's Island, actrices des années 80-90 tombées dans l'oubli, lui font miroiter l'opportunité de vivre éternellement une jeunesse sans responsabilités.
Ce n'est qu'au terme de ce voyage initiatique, parsemé de rencontres toutes plus surréalistes les unes que les autres, qu'il pourra définitivement accepter la stabilité du monde adulte, dans un dernier adieu à l'adolescent qu'il a été et qu'il ne pourra plus être. Nourri de références graphiques et cinématographiques, comme autant de clins d’œil à la nostalgie d'un passé révolu, ce récit aborde avec légèreté cette angoisse universelle qui nous saisit face au temps qui passe.

Fritz the Cat est sans conteste le personnage le plus célèbre de Robert Crumb, mais sa renommée repose sur une équivoque. La plupart des gens ne connaissent en effet Fritz que comme le héros du dessin animé que le réalisateur Ralph Bakshi a sorti en 1972, d’après les bandes dessinées de Crumb publiées quelques années plus tôt. Premier dessin animé classé X, le long-métrage de Bakshi a connu un tel succès commercial qu’il a durablement tordu la perception que l’on peut avoir du matou original, celui que Crumb dessinait depuis l’adolescence pour son propre plaisir.

Le présent volume rétablit la véritable identité de Fritz, tel que l’a dessiné Robert Crumb : de sa première apparition en 1965 dans le magazine Help ! à sa mort violente en 1972 (en réponse au film de Bakshi), on le découvre étudiant glandeur, obsédé sexuel, révolutionnaire à-la-mie-de-pain, simili James Bond outrancièrement macho, héroïnomane en pleine déchéance, star vieillissante et cynique, c’est-à-dire l’antithèse des beautiful people du mouvement hippie d’alors… Faussement cool et vaguement ringard, Fritz synthétise la vision acérée que Crumb avait à l’époque des gens de sa génération.

Inspiré, dans son graphisme contrasté et son découpage fluide, par les strips des classiques de la bande dessinée d’humour américaine des années 1920 et 30, Crumb, quand il dessine Fritz, se fait chroniqueur acerbe, à la manière de ses maîtres en satire Harvey Kurtzman et Jules Feiffer.

Regroupe une cinquantaine de planches autour du jazz et de ses grandes figures comme Stan Getz, Miles Davis, Charlie Mingus, Chet Baker... parues depuis l'année 2000 dans le magazine «Jazzman». Cette édition remaniée et améliorée est agrémentée de 12 planches de bande dessinée supplémentaires et d'une trentaine de pages de dessins inédits.

Jamais, depuis Quichotte et Panza, ou Laurel et Hardy, on ne vit un couple de héros aussi mal assorti. Fuzz est un nounours, battu et jeté à la poubelle par un sale gamin. Coq d’élevage, plumé et promis à l’abattage, Pluck est en cavale. L’un est aussi craintif et passif que l’autre est arrogant et agressif.  

Débutée dans une benne à ordures, leur histoire prend la forme d’un roman picaresque, à la façon de L'Ingénieux Hidalgo Don Quichotte de la Manche ou des Aventures de Huckleberry Finn. Leur route croise celles d’un singe zen, d’une végétarienne folle, de Lardass, roi du sandwich au lard, de la belle Glibbia, directrice d’une équipe d’animaux gladiateurs, ou de Sourpuss, citron mâtiné de mouche, produit d’une expérience scientifique aberrante.

Ces créatures improbables arpentent la scène d’un petit théâtre de fête foraine, avec ses décors de carton pâte et sa toile de fond qui représente une Amérique miteuse, envahie par les détritus, un pays à la fois familier et étrange, à qui le trait épuré et le noir et blanc de l’auteur donnent un air d’évidence.

Si l’homme y est un loup pour l’homme, et les bêtes à plume, à poil ou en peluche, la violence reste burlesque. Et le lecteur peut rire des mésaventures de Fuzz et Pluck, comme il rit de celles des vagabonds de Beckett. Ted Stearn, lui aussi, accorde à ses pauvres héros la grâce de survivre au désespoir et de continuer malgré tout.

Jamais, depuis Quichotte et Panza, ou Laurel et Hardy, on ne vit un couple de héros aussi mal assorti. Fuzz est un nounours, battu et jeté à la poubelle par un sale gamin. Coq d’élevage, plumé et promis à l’abattage, Pluck est en cavale. L’un est aussi craintif et passif que l’autre est arrogant et agressif.  

Débutée dans une benne à ordures, leur histoire prend la forme d’un roman picaresque, à la façon de L'Ingénieux Hidalgo Don Quichotte de la Manche ou des Aventures de Huckleberry Finn. Leur route croise celles d’un singe zen, d’une végétarienne folle, de Lardass, roi du sandwich au lard, de la belle Glibbia, directrice d’une équipe d’animaux gladiateurs, ou de Sourpuss, citron mâtiné de mouche, produit d’une expérience scientifique aberrante.

Ces créatures improbables arpentent la scène d’un petit théâtre de fête foraine, avec ses décors de carton pâte et sa toile de fond qui représente une Amérique miteuse, envahie par les détritus, un pays à la fois familier et étrange, à qui le trait épuré et le noir et blanc de l’auteur donnent un air d’évidence.

Si l’homme y est un loup pour l’homme, et les bêtes à plume, à poil ou en peluche, la violence reste burlesque. Et le lecteur peut rire des mésaventures de Fuzz et Puck, comme il rit de celles des vagabonds de Beckett. Ted Stearn, lui aussi, accorde à ses pauvres héros la grâce de survivre au désespoir et de continuer malgré tout.

Le succès sans commune mesure de la bande dessinée au Japon, son ancrage dans la société, sa forme unique et ses thèmes de prédilection, s'expliquent une fois placés en regard de l'Ere Showa (1926-1989). Les biographies des pionniers du manga, de Vie de Mizuki de Shigeru Mizuki à Une vie dans les marges de Yoshihiro Tatsumi, témoignent autant de l'explosion d'un art populaire que de cette période parmi les plus complexes de l'histoire du Japon. La Vie de Mizuki rappelle qu'en un peu plus d'un siècle, cet archipel presque exclusivement constitué de villages de pêcheurs s'est mué en l'une des plus grandes puissances industrielles mondiales. Entre-temps, un élan de modernité et de nationalisme a emporté ses hommes vers la guerre, avant de rapatrier les survivants sur une terre occupée, en perte d'identité, en marche d'industrialisation forcée, démunie de son armée et de son besoin de produire de l'énergie. Cette société qui n'aurait plus besoin de se défendre ni de se nourrir allait accoucher d'une forme d'expression naturellement enfantine, mais d'une richesse indéniable : le manga. Shigeru Mizuki, cet artiste qui a ressuscité le goût du folklore au Japon, incarne plus que quiconque cette édifiante réaction artistique face au poids de l'Histoire: celle d'un homme qui a perdu un bras au combat et rentre dans son pays pour donner vie à un courageux fantôme à qui l'on a volé un oil. Récit d'un destin hors du commun, témoignage unique sur la mutation d'un monde, Vie de Mizuki est une extraordinaire fresque romanesque qui embrasse un siècle de chaos et d'inventions.

Vie de Mizuki est une série de la collection Pierre. Le premier tome mesure 17 x 24 cm pour 496 pages. Sous la jaquette se trouve une couverture cartonnée avec marquage vert brillant et un marque-page assorti aux superbes gardes roses. Il vous sera particulièrement utile pour vous reporter aux notes détaillées et aux repères historiques présents en fin d'ouvrage.

Acteur incontournable d'une époque fondatrice du manga, Yoshihiro Tatsumi offre, avec Une vie dans les marges, un témoignage exceptionnel sur les milieux éditoriaux et le Japon de l'immédiate après-guerre. Fresque autobiographique, roman social et document historique, ce livre-somme est un chef-d'oeuvre capable de toucher le passionné comme le néophyte. Pour l'amateur de bande dessinée, il donne à voir de l'intérieur la manière dont le manga s'est construit dans ces années-là, passant en peu de temps de l'âge d'or à l'âge industriel. Il invite dans cette évocation les figures mythiques de ce domaine et nous les montre telles qu'elles étaient avant que l'histoire ne les statufient. Pour le profane, Une vie dans les marges dresse un tableau unique du Japon des années d'après-guerre et de ses classes populaires luttants pour la survie quotidienne. De l'essor économique des années 1950 jusqu'aux crises des années 1960, Tatsumi dépeint avec force un pays et une société en pleine mutation. OEuvre de longue haleine dont la réalisation s'est étalée sur plus de dix ans, Une vie dans les marges est d'ores et déjà un ouvrage de référence récompensé au Japon et aux Etats-Unis par les prix les plus prestigieux.