Cornélius

Acteur incontournable d'une époque fondatrice du manga, Yoshihiro Tatsumi offre, avec Une vie dans les marges, un témoignage exceptionnel sur les milieux éditoriaux et le Japon de l'immédiate après-guerre. Fresque autobiographique, roman social et document historique, ce livre-somme est un chef-d'oeuvre capable de toucher le passionné comme le néophyte. Pour l'amateur de bande dessinée, il donne à voir de l'intérieur la manière dont le manga s'est construit dans ces années-là, passant en peu de temps de l'âge d'or à l'âge industriel. Il invite dans cette évocation les figures mythiques de ce domaine et nous les montre telles qu'elles étaient avant que l'histoire ne les statufient. Pour le profane, Une vie dans les marges dresse un tableau unique du Japon des années d'après-guerre et de ses classes populaires luttants pour la survie quotidienne. De l'essor économique des années 1950 jusqu'aux crises des années 1960, Tatsumi dépeint avec force un pays et une société en pleine mutation. OEuvre de longue haleine dont la réalisation s'est étalée sur plus de dix ans, Une vie dans les marges est d'ores et déjà un ouvrage de référence récompensé au Japon et aux Etats-Unis par les prix les plus prestigieux.

Depuis plus de dix ans, Willem consigne en images chaque édition (ou presque) du Festival d'Avignon pour le journal Libération. Livrant une chronique quotidienne sur les spectacles auxquels il assiste dans les salles ou dans la rue, il immortalise à la volée quelques instants fugitifs de ces arts que l'on dit "vivants" et qui sont éphémères par nature.  

Là où d'autres accumulent les moments de bravoure et pensent à l'Histoire, Willem se concentre sur ces centaines de spectacles qui ne bénéficient pas de la programmation officielle et qui se tiennent pour quelques jours dans des théâtres improvisés et parfois improbables. Compilant les scènes insolites, Willem dresse avec Avignon un portrait de la frénésie qui s'empare chaque mois de juillet de l'ancienne capitale de la papauté.  

Faisant suite à Ailleurs et Partout (parus l'un et l'autre chez Cornélius) qui réunissent les reportages les plus marquants dessinés par Willem pour la presse depuis vingt ans, Avignon reprend en couleurs et dans une maquette inédite les dessins parus dans Libération. Plus qu'à se souvenir, le lecteur est invité ici à fantasmer et à rêver une ville qui transforme le temps d'un festival chaque passant en comédien et chaque comédien en héros.

Dernier livre de Yoshihiro Tatsumi, "A drifting life" est son ultime chef d'oeuvre sur lequel il a travaillé pendant plus de onze ans. Cette autobiographie prend racine à Osaka, où l'auteur passera son enfance, dans un Japon qui se remettait difficilement de sa défaite et des conséquences la seconde guerre mondiale. À travers une quinzaine d'années - d'août 1945 à Juin 1960 - Tatsumi met en scène son double, Hiroshi Katsumi, qui doit faire face aux problèmes financiers de son père, à l'échec du mariage de ses parents, la jalousie et la mauvaise santé de son frère, et aux innombrables pièges qui l'attendent sur le marché hautement concurrentiel du manga dans la moitié du 20ème siècle. Jeune, il rêve de marcher dans les traces de son idole, Osamu Tezuka le père du manga moderne (auteur d'Astro Boy, Le roi Léo, Black Jack, Prince Norman ). Il deviendra par la suite l'un de ses pairs et, parfois même son rival en terme de style. A drifting life est le témoignage exceptionnel du fondateur du genre Gekiga. "Nos aînés, écrit-il, nous avaient enseigné que la bd était comique. Il s'agissait de faire rire les lecteurs. Nous ne voulions plus de cela"

La pénombre. Une houppette apparaît.

Un jeune homme dans son lit, un pansement sur la tempe. Doug se lève suit son chat noir, Inky - pourtant mort depuis des années - et se laisse entraîner de l'autre côté du miroir.

Que s'est-il passé? Une soirée punk, un concert, William Burroughs, une jeune femme nommée Sarah, des polaroids, un amant jaloux... À grand renfort d'ellipses, Charles Burns fait voler en éclats nos repères spacio-temporels, multiplie les allers-retours entre rêve et réalité, nous place un foulard sur les yeux, nous fait tourner sur nous-mêmes et nous laisse seul dans un pays inconnu, juste après le déluge.

Burns construit son récit à la manière des collages de William Burroughs, technique consistant a assembler des portions de texte au hasard à l'origine du Festin Nu et qu'il a également appliquée à son travail de peinture et de photographie.

L'attrait des personnages pour l'écrivain de la Beat Generation et le photographe-performer Lucas Samaras viennent renforcer l'impression d'éclatement introduite par le découpage des planches et les nombreux flashbacks.

Inspiré par des influences aussi diverses que Hergé ou Burroughs, Toxic est un rêve sombre et fascinant.

Avec Wilson, Clowes revisite sa thématique fétiche à savoir la médiocrité humaine, la portant à un nouveau degré d'excellence. Une série d’histoires d’une page retrace les efforts de Wilson pour reprendre sa vie en main avant de replonger dans sa déprime quotidienne. Tel Sisyphe poussant son rocher, notre héros sue sang et eau pour remonter la pente avant de se casser le nez et de s’en retourner à la case départ.

Abordant des inconnus au café, dans la rue, dans le bus, s’incrustant en famille ou chez ses accointances, Wilson essaie désespérément de renouer le contact avec ses contemporains. Après la mort de son père, Wilson, irrévocablement seul, se lance à la reconquête de son ex-femme, Pippi, dans l’espoir de raviver la flame de cette relation éteinte depuis bien longtemps. Ce faisant, il découvre sa fille Claire, née peu après leur separation et placée dans une famille adoptive. Prêt à tout pour reconstruire une famille, Wilson se donne pour mission de les réunir tous les trois - encore un projet voué à l’échec et qui ne manquera pas de se retourner contre lui. Clowes utilise une variété de styles pour dessiner son personnage, mais qu’il apparaisse sous des traits parfaitement réalistes ou sous la forme d’un cousin éloigné d’Andy Capp, Wilson reste définitivement un loser. Avec ce nouveau livre, Clowes nous offre une tranche de pessimisme brillamment découpée et magnifiquement dessinée. À l'heure où les bons sentiments sont légion, il fait bon de lire ce chef d’oeuvre remarquable de misanthropie.

Bob & Harv signe la rencontre légendaire de deux titans de la bande dessinée, Harvey Pekar au scénario et Robert Crumb au dessin, unis dans le désir commun de nous conter les merveilleuses aventures d'Harvey Pekar. Enfin, comme le dit Crumb, ces 'aventures', ce sont surtout des gens qui causent ou un Pekar qui harangue son lecteur impuissant case après case après case. Allongé sur le divan qu'il s'est fait livrer à domicile, Pekar nous parle de ses problèmes dans des saynètes autobiographiques ce que l'on appelle communément 'tranches de vie'. Ces journées qui défilent les unes après les autres avec pour unique décorum Cleveland, cette ville industrielle qui ne s'est jamais vraiment remise de sa grande dépression. Une ville où l'on se pèle le cul en attendant le bus qui n'arrive pas. Exit le glamour, le piment, l'héroïsme ! Dès la fin des années 70, Pekar invite la vraie vie à la table de la bande dessinée, sans emphase, avec juste ce qu'il faut d'humour, d'absurdité et d'ironie. Scénariste hors pair, Harvey Pekar influencera toute une génération d'auteurs américains qui se tournèrent vers l'autobiographie. Bienheureux furent ceux qui témoignèrent des obsessions maniaco-dépressives d'Harvey Pekar !

Nadja adore les polars. En regardant de plus près la collection Paul, elle s'est aperçue que celle-ci était dédiée aux bandes dessinées de genre (porno-horreur, manga, comics). Paul n'avait pas encore de polar à son actif, Nadja lui en a offert un très réussi. Dans ce polar très noir, elle raconte l'histoire de Kate, une jeune femme qui tombe dans le piège d'un tortionnaire psychologique et fait d'elle une marionnette. De l'artiste indépendante ne reste plus qu'une ombre sans orgueil ni confiance en sa personne comme en son art. Dans cette lutte pour la survie de son âme, Kate trouve refuge de l'autre côté du miroir, un village loin du tumulte parisien dans lequel elle tentera de se reconstruire. Le dessin en bichromie évoque à la fois l'univers du polar caractérisé par le noir et blanc et celui des pulps avec les touches de rouge des talons hauts ou du rouge à lèvres de Kate.

Comme tous les Yokaï, ces êtres surnaturels peuplant les contes populaires japonais autour desquels Mizuki a construit son univers fantastique, le kappa est un personnage issu de la mythologie. Diablotin anthropomorphe vivant dans les rivières, la légende dit qu'il attire les jeunes filles au fond de l'eau pour leur prendre leur vertu. Mais cette réputation maléfique s'est effacé avec le temps pour laisser place à un personnage sympathique et malicieux, changement d'image auquel l'œuvre de Mizuki n'est pas étrangère.

La fin des années 1960 fut une période extrêmement troublée au Japon, le soulèvement de la jeunesse prenant parfois des formes plus radicales que ce qu'on pouvait observer en occident. Les attentes et la frustration de cette génération étaient immenses et le foisonnement artistique qui l'accompagna fût prodigieux. Mais la répression féroce que le pouvoir opposa à ce mouvement brisa les promesses et l'énergie qu'il dessinait, plongeant le pays dans la résignation.

Dans ce Japon post-1968, Ichiro et Sachiko rêvent d'une vie meilleure, sans être pour autant des révolutionnaires. Leurs jours s'écoulent à flâner, boire, fumer et faire l'amour. Tandis que Shihiro tente de vivre de ses bandes dessinées, Sachiko doit résister au mariage que ses parents tentent d'arranger pour elle. L'urgence, c'est de ne pas penser à l'avenir. Mais, même affranchis des normes sociales qui ont emprisonnées leurs parents, Ichiro et Sachiko peinent à exprimer leurs désirs et, frustrés, finissent par se dire des choses qu'ils ne pensent pas, communiquant mieux par les corps que par les mots.

En décrivant la vie quotidienne d'un couple vivant en concubinage - chose peu courante dans le Japon des années 1970 - Hayashi parvient à traduire les sentiments d'une manière à la fois métaphorique et précises, leur donnant une justesse et une intensité qui restent intactes plus de trente ans après.

Les berniques sont des petits coquillages qui s'´agrippent au rocher, connus aussi sous le nom de patelles. Dans un sens plus figuré, le mot décrit des choses sans importance. Au singulier, utilisé comme une interjection, il signifie ''Pas question", "Que dalle", "Non".''Des berniques est l´'histoire d´un couple sur le point de se séparer. Ou pas. Comment le savoir lorsque les mots sont impuissants à décrire ce qu'´ils ressentent l´'un et l´'autre ? Discrètement, on les suit lors d´'un week-end au bord de la mer, séjour dont on suppose le caractère décisif. L´'air iodé peut-il raviver les sentiments ? La nature peut-elle fournir des sujets de conversation aux amoureux fatigués ? On ne sait pas. Le ciel est menaçant, la maison trop grande, la langueur omniprésente.... Les deux amants guettent l'´éclaircie salvatrice, retardant l´'échéance, se réfugiant dans le mutisme et les propos anodins... Mais ce sont désormais les corps, les objets, la campagne qui parlent à leur place, exprimant pour eux les non-dits qui les séparent et orchestrant les indices qu'´ils feignent d´ignorer. Le trait subtil et nerveux de Sébastien Lumineau dépeint avec grâce la mélancolie de l'´amour qui s'´en va. Son sens de l´'ellipse, la simplicité apparente de ses constructions, la puissance évocatrice de son noir et blanc irradient une histoire dont l´'essentiel se joue à l´'arrière-plan, sans artifices, dans la pénombre des coeurs. À des années lumières de la fiction cinématographique française et son cortège de couples bavards, Sébastien Lumineau réussit avec Des berniques un bijou d´équilibre et de justesse, une tragi-comédie silencieuse qui confirme qu'´il fait partie des auteurs les plus singuliers de sa génération.

Publiées pour la première fois en album par Highwater Books en 2003, les aventures de Shrimpy et Paul (et leurs joyeux amis) entraînent le lecteur au coeur d´un univers improbable, imaginé par un Max Fleischer sous acide où des frères Warner virés mabouls. Des Laurel et Hardy déjantés affrontent avec un sérieux imperturbable une sexualité hasardeuse et les situations les plus grotesques. L'un perd ses tétons chéris, l'autre accouche par les genoux, tandis que des tours géantes poussent à l´intérieur de leur petite maison. Sous ses apparences cartoonesques, l'art de Bell plonge des racines profondes aussi bien dans le cubisme que dans la culture populaire, dans la Bible que dans le hard rock, et introduit dans la bande dessinée la technique du collage. Glanant les rogatons de la société de consommation, Marc Bell construit, avec ces matériaux de récupération, vieux numéros de Mad Magazine, figurines de Star Wars, briques de Lego, un univers surréaliste et loufoque. Ce monde fourmillant, complexe et toujours logique dans son absurdité, rappelle les paysages inexplicables de Herriman. Bell le peuple de créatures plus ou moins anthropomorphes qui empruntent leur nom à la junk-food (Shrimpy, Blimpy, Taco) ou à un gadget (Chia Man) et font de la vie quotidienne une aventure rocambolesque et hilarante, pleine de bruit et de non sens.

Iconoclaste à la narration redoutable d’efficacité, Winshluss nous propose avec Welcome to the death Club une série de fables tragiques de personnages insatisfaits, croyant maîtriser leur existence, souvent cupides, toujours incompris. Ces récits, dont certains ont été prépublié dans la revue Jade, mélangent un humour absolument déjanté à une tendresse prononcée envers les perdants définitifs. A ce petit jeu, la mort, personnage omniprésent de l’ouvrage, ne cesse d’engranger de nouveaux adeptes dans son club de la dernière chance.

Sasuke Sarutobi apparaît dans la littérature japonaise à la fin du XIXe siècle. Héros de nombreux récits, mangas et films, il incarne la figure du guerrier-espion, le ninja. Tezuka s'approprie le personnage, qu'il met au service d'un message pacifiste et humaniste. En 1590, le Japon est livré à la guerre civile et les campagnes vivent dans la terreur des exactions des samouraïs. Fils de paysans, Sarutobi veut devenir ninja mais son maître lui ôte ses pouvoirs magiques, pour qu'il comprenne la vanité de la violence. Sur un canevas historique, Tezuka bâtit une chanson de geste tragi-comique, un récit d'aventures foisonnant, que portent sa virtuosité narrative, son style dynamique et sa fantaisie iconoclaste. On peut aussi y lire une critique du monde contemporain, où les grandes entreprises se comportent en seigneurs de la guerre tandis que les hommes subissent l'Histoire, plus spectateurs qu'acteurs. ''On se croirait dans un dessin animé'', s'émerveille un des personnages. Les codes des récits traditionnels se mêlent à ceux du cinéma et de la bande dessinée. On croise, dans le Japon de l'époque Sengoku, Popeye et Astro Boy, et un groupe de ronins fâchés de la réputation que leur a faite Kurosawa. Il est vrai que la leçon de Sarutobi rejoint celle des Sept Samouraïs : les paysans, qui sont du côté de la vie, l'emportent sur les guerriers, qui sont du côté de la mort.

Les nouvelles réunies dans ce volume ont toutes été publiées dans la légendaire revue Garo. Cette publication d'avant-garde, sur les traces du gekiga, le mouvement fondé en 1957 par Yoshihiro Tatsumi pour rompre avec la tradition enfantine du manga, ouvrait le genre à l'âge adulte. Fondée en 1964, elle accompagna tout au long des années 60 et 70 la jeunesse protestataire qui voyait en elle une forme de contestation de l'establishment. Kusunoki avait une vingtaine d'années quand il publia ces histoires, dans un Japon qui se remettait à peine de sa défaite et des conséquences de la seconde guerre mondiale. Ses nouvelles parviennent à créer un lien entre le Japon traditionnel et la société d'après-guerre marquée par la censure, le culte du travail, l'érosion des traditions et un anti-américanisme virulent. Comme Susumu Katsumata (Neige Rouge, Cornélius), il s'attache à décrire la vie quotidienne du peuple, tout en y insufflant une dimension plus épique. À travers des genres aussi variés que le conte japonais traditionnel, la chronique urbaine ou le récit de samouraï, il décortique l'ambiguïté des rapports humains. Mettant à nu les sentiments qui unissent les êtres, les raisons pour lesquelles ils s'attirent et les malentendus qui les séparent, Kusunoki parvient, à travers un style limpide, à exprimer ce qui ne l'est pas... Un auteur immense qu'il est urgent de redécouvrir et de célébrer.

Aujourd'hui n'existe pas et nos existences s'écoulent en une succession d'instants, tristes ou heureux, presque aussitôt oubliés. Ancco veut, avant que sa mémoire ne la trahisse, fixer dans ses dessins quelques fragments d'une vie aussi précieuse que dérisoire. Son trait aigu donne vie à une Corée, pays du matin blême et des nuits arrosées, bien éloignée des brochures de tourisme. La jeunesse s'y traîne, dans le fracas des karaoké et le silence du sida, parmi la fumée des cigarettes clandestines et les vapeurs de l'alcool interdit, instant suspendu entre l'envie de grandir et la peur de vieillir. Aujourd'hui comme hier, les coups restent l'argument ultime d'adultes cabossés par leurs propres échecs. Barricadés dans leur solitude, incapables d'exprimer leurs sentiments, les hommes sont terrifiés de risquer vers l'autre un geste aussi simple que d'offrir une cigarette. Seuls les chiens semblent capables d'un amour et d'une confiance spontanés. Ancco dessine ses adolescents au début d'une route qui s'enfonce dans les ténèbres, d'un voyage dont la prochaine étape, espèrent-ils,changera leur vie. Mais elle sait qu'au bout de la nuit les attend une nuit encore plus profonde, celle de la mort. Demain n'existe pas.

Bienvenue dans le monde merveilleux de Robert Crumb ! Voyez-le s´ennuyer, chanter, gratter son ukulélé, tirer sa crampe, réparer ses toilettes ou explorer divers orifices féminins. Découvrez ses faiblesses, ses angoisses, ses contradictions et ses fantasmes. Peu d´auteurs ont, depuis Rousseau, osé une confession aussi sincère et déjantée, une mise à nu aussi drôle et douloureuse, des recoins de leur âme et de certaines parties de leur anatomie.

En 1989 le jeune Daniel Clowes crache sa frustration au visage de l'Amérique conformiste en une série de « krazy komics », publiés dans les pages de son magazine EIGHTBALL entre les épisodes de COMME UN GANT DE VELOURS PRIS DANS LA FONTE ou GHOST WORLD. La trentaine de courtes histoires rassemblées ici sous le titre EIGHTBALL, témoigne de la versatilité d'un artiste qui passe de la satire sociale à la blague de potache, de l'anecdote absurde à l'étude psychologique, en s'offrant, au passage, le luxe de détourner l'imagerie et les codes des comics...